Renklerin şarkı söylemesini anlayabiliyorsan
Yıldız eklemek için üstteki Sanlian Life Weekly'ye tıklayın!
Üç yıl önce, beş yaşındaki oğlumu Metropolitan Müzesi'ni ziyarete götürdüm. Uzun süre Mondrian'ın "Izgara" tablosunun önünde durarak bana şaşkınlıkla sordu: "Mondrian'ın tablosu neden bir galeride sergilenebilir?" Bir süre cevap veremedim.
İki yıl sonra Metropolitan Müzesi'nde röportaj yaptım. Joan Snyder'ın soyut bir tablosunun önünde dururken, meslektaşım ve ben rastgele püskürtülmüş ve bulaşmış gibi görünen renk lekeleri karşısında kafam karışmıştı. Resim, ruj ve kozmetik kullanılarak boyanın izlerinin açıkça görülebildiği duvardaki yaramaz bir çocuğun grafiti gibidir.
"Belki çocuklar modern soyut resimleri daha iyi anlayabilirler"? Biz sorduk.
Modern Sanat'ın küratörü, "Çocukları romantikleştirmeyi kişisel olarak onaylamıyorum. Bu ressamlar, sanatta sıkı bir profesyonel eğitim almış ve eserleri sanat tarihinde daha derin bir geçmişe sahip."
Bilinmeyen anlamın resmine bir kez daha bakıyoruz. Küratörün açıklaması olmasaydı, bazen kasıtlı olarak düzgün ve bazen kaotik fırçaların anlamını okumak bizim için zor olabilirdi: Bu çizgi ve renklerde sadece erkeklikle dolu vahşi çizgiler değil, aynı zamanda renk gruplarının sert dikey ve yatay dağılımı da vardır. Dikkatlice bakın, çılgınca renkle, belli bir tür enerjiye dokundum: bu, kurallar ve düzensizlikler, biçim ve kaos, kontrol ve hoşgörü arasındaki çelişkilerin içerdiği gerilimdir. Daha sonra sanat teorisi kitabında modernite söyleminde erkeklerde karmaşık güçler ve dürtülerin kesiştiğini okudum. İnsanların iç çatışmaları modern yaşamdaki trajedilerin kaynağı olarak görülüyor. O her zaman soyutlamaya egemen olmuştur. Ism. Bu tablonun yazarı bir kadın ve resimdeki feminist bir erkek kahramanlığı somutlaştırıyor, buradaki sergisinin anlamı bu - bu anlamlar bir çocuğun anlaması elbette imkansız.
Geçmişte sanat müzelerini gezerken, klasisizmden modern sanata sıçrayan tarz beni hep biraz karıştırdı. İkisi arasında görünmez bir boşluk var: somut olan ve aniden yeniden ortaya çıkan ve deforme olan her şey ve önceki sürekli nehir aniden kaybolarak insanları nerede olduklarını merak ettiriyor. Modern sanat anlayışının geliştirilmesi gerekiyor, bu da çok fazla okuma anlamına geliyor. Böylelikle, Rothko'nun devasa eserlerinin önünde durduğunuzda ve renklerin girdabına çekilmenize izin verdiğinizde, ilham kaynağı olan trajedi ve coşku deneyimini ve ifade ettiği insan dramını fark etme olasılığınız daha yüksektir. . Uzun zamandır müze kavramlarının minimalist yorumunda, daha çok katalog gibi olan müze el kitaplarının muğlak dilinde ve sanat eleştirmenlerinin zor ve muğlak dilinde kayboldum. Resimlerin nasıl görüleceğine, okunacağına ve dinleneceğine dair samimi bir rehberlik elde etmek için aldatıcı bir açıklama yerine belirli bir eserin gerçek bir anlayışını okuyabilmeyi umuyorum - bunun gibi pek çok popüler kitap yok.
Bu nedenle, bir kitapta Kandinsky'nin "Siyah Kemerli Resmi" ile ilgili aşağıdaki giriş metnini okuduğumda tanışmaktan büyük keyif aldım. Açıktır, ancak aynı zamanda azdır:
"Siyah Kemerli Resim" soyut formların dünyasına duygusal olarak hakim olmanın bir örneğidir.Bu çalışmada, farklı şekillerde üç alan birbirine zıttır ve çok dramatik bir kombinasyon oluşturur.Kırmızı blok, resmin sağ alt köşesinden ortasına kadar uzanır. Renk koyulaşır ve koyulaşır ve bunun tersi, birkaç fırça darbesi açık sarı ve turuncu ile noktalı mavi bir dış çizgidir. Kırmızı blok ve mavi blok üzerinde mor-kırmızı dairesel bir desen vardır. Her ne kadar iki resmin altında yer alsa da Renk blokları resmin kenarlarında nispeten sabittir, ancak resmin üst kısmındaki form, daha küçük köşeli renkli bloklar boyunca hala özgür ve dinamiktir. Kırmızı ve mavi tonlar ve mor, bu gergin çatışmayı harmanlamaya çalışıyor gibi görünüyor. "
"Bu resmin tüm görüntü öğeleri ekran boyunca ilerler ve kemer şekli tüm ekrana ağırlık katar. Bu kavis şekli daha çok bir dik açı gibidir, üç renkli bloğu birleştirir ve mor-kırmızı dairenin kararlılığını artırır. Aynı zamanda, bu çalışmayı bir hareket anı olarak da düşünebilirsiniz: kırmızı renkli bir bloktan başlayıp sonra hafifçe fuşyaya dönerek ve sonunda mavi renkli bir bloğa doğru kayarak Siyah kemer enerji dolu gibi görünüyor Kırmızı formu mavi çerçeveye bağlayan volkanlar ".
Umarım bana bu tür resimlerden söz edecek böyle sözler vardır. Modern sanatı anlamak tamamen farklı bir dil gerektiriyor: Artık öyküler anlatmıyor veya artık "insanların" öyküsünü anlatmıyor; sahnedeki kahramanı renk, çizgi ve mekandır ve tüm resim öğelerinin burada kendine ait bir yeri var. Özerklik. Bu resimde olduğu gibi, renk artık sadece bir yaratma yöntemi ve aracı değil, bir ifade gücüdür. Kandinsky'nin bu biçimsel öğelere nasıl antropomorfik duygusal ve ruhsal bir anlam verdiğine bir bakalım - şöyle yazdı: Kırmızının sonsuz sıcaklığı, sarının umursamaz çekiciliğinden farklıdır, ancak kararlı ve enerjik bir iç gerilimi vardır. . Kendini tamamen yakar ama canlılığını asla amaçsızca dağıtmaz ... Mavi tipik bir cennetsel renktir ve statik bir his yaratabilir. "
Ayrıca bu resmin ilk doğduğu zaman nerede olduğunu bilmek istiyorum. Hangi eserlerle "prömiyerini" tamamladı ve sergi sahnesine çıktı? Sanatçının sürekli gelişiminde kendi sırasını nasıl işgal ediyor? "Siyah Kemerli Tablolar" ın ilk kez 1911 yılında sergilendiğini öğrendiğimde, besteci Schoenberg'in tabloları, Henry Rousseau'nun önemsiz resimleri, Kandinsky'nin soyut "Kompozisyon" ve "İyileştirme" serileriyle çalıştım. O zamanlar eşi benzeri görülmemiş yeni bir sanatsal konsept sunan "Mavi Şövalye Kulübü" nü tamamlamak üzere birlikte sergilenince, bu resmin anlamı benim için daha net ve daha güçlü hale geldi. Kandinsky, sergi kataloğunun giriş kısmında şöyle yazdı: "Bu küçük sergide, herhangi bir kesin veya özel formun tanıtımını yapmıyoruz. Amacımız, sanatçının İç irade birçok biçimde nasıl oluşur ". Bu resim, bu nedenle modernist sanat keşiflerinin öncülerinden biridir ve aynı zamanda daha geniş bir gelecek çerçevesine dahil edilmiştir: Amacı, maddi ve soyut şeylerde bulunan bu ruhsal deneyim yeteneklerini uyandırmaktır - bu yetenek sonsuz çeşitlilikteki deneyimleri mümkün kılabilir.
Modern resim, müzikle yakından ilgilidir. Pek çok modern sanatçının gözünde, müzik biçimi tamamen özgür bir öznelliğe sahiptir ve herhangi bir dış güç ya da anlama bağlı değildir. Rothko bir keresinde ressam olarak görevinin resmi müzik ve şiir düzeyine yükseltmek olduğunu söylemişti. Bir koleksiyoncu, Roscoenun resimlerine şu şekilde yorum yaptı: Oda müziği gibi, bu kadar doğrudan ve samimi, böylesine bir çarpıtma ile resim ve izleyici arasında nasıl bir tartışma başlatabilir? Renk tonlarını nasıl kullanabilir? Tahtadaki birkaç renk kombinasyonu - soğuk ve sıcak, aydınlık ve karanlık, donuk ve parlak, coşku ve donukluk, çeşitli duyguları çağrıştırıyor, senfoni benzeri ihtişamı yeniden yaratıyor, değişebilirlik, dram, derinlik ve engelsiz görüntü ? İzleyici için, renklerin ve çizgilerin müziğini "duymak" kolay değil: çoğu durumda, Kandinsky'nin "İyileştirme" serisinin önünde duruyorum veya Roscoe renklerinde dolaşıyorum. Bloğun ince dokusunda duyduğum şey sessizlikti.
Bence derin okuma, bizi modern sanata yaklaşmaya ve onun müzikal biçimini anlamaya götüren bir yol. Kitapta Rothko'nun resimlerinin müzikalitesi ile ilgili kelime ve cümleler aradım, çoğu zaman kırık cam parçacıkları gibi sadece birkaç kelime alabiliyorum ama her halükarda anlamayı biraz daha mümkün kılıyor. Nietzsche anlamında resme müzik duyguları katmak için Rothko'nun figürlerin ayrıştırılmasında daha derin bir soyutlama düzeyine girdiğini okudum; bu derin soyutlamadan yola çıkarak resimdeki biçim ve renk unsurlarını şöyle değerlendiriyor: Yapıtın dramatik sahnesinde özgürce ve cesurca hareket eden oyuncu için, biçim artık herhangi bir somut nesne veya duygu ile doğrudan ilişkili değil, "bilinmeyen bir alanda bilinmeyen bir macera"; doğanın yeniden üretimine şiddetle karşı çıkıyor ve resmi küçültüyor. Büyük ölçekli ve titreyen renk blokları için, uzamsal renk derinliğini ve tefekkür gücünü yaratır.
Rothko'nun oğlu Christopher Rothko'nun Rothko hakkında bir kitabı var. Bu kitapta, Roscoenun eserleri ile Mozartın müziği arasındaki ilişkiden özellikle bahsetti: Mozart'ın en iyi olduğu kısa sözler, sonatlarının yapısı, dokusunun şeffaflığı ve notaların görece seyrekliği Roscoe için çok önemlidir. Etki çok büyük. Mozart'ın müzikte ifade ettiği "gözyaşları içinde gülümsemenin" karmaşası, özellikle E minör Piyano Konçertosu No. 26 ve D majör Piyano Konçertosu No. 26'nın ilk hareketinde, Rothko'nun resimlerinde yankılanabilir.
Metropolitan Müzesi'ndeki röportajda Modern Sanat Müzesi'nin küratörü, başka bir modern soyut resmi anlamak için beni "labirent" e işaret etti. Romantik bir aşk şarkısı olan "Life of Roses" adlı Joan Mitchell dörtlüsüydü. Dört resim, düzgün vuruşların ve rastgele renk çizgilerinin birleşimidir. İlk başta, soldan sağa dört resmin birleşimiyle oluşan iniş çıkışları belli belirsiz hissedebiliyordum, uyanmış gibi görünen belli bir öznel duygu vardı ama tam olarak ne olduğunu söyleyemedim. Küratör bana, her resmin bir müzik parçası ya da formdaki bir şiirin kıtası gibi olduğunu ve resimle ortaya çıkan duyusal deneyim ve duyguların da onunla birlikte değişerek zamanın geçtiği bir bütün oluşturduğunu söyledi. Bu resmin kendisine bir aşk çağrışımı verdiğini söyledi. "Aşık olan bir çift aşık arasında güçlü bir hisle başladı. Zaman geçtikçe bu yoğun duygu yavaş yavaş sakinleşti ve sonra birden sona erdi. Belki bu, sevginin sonu ve bu ilişkinin getirdiği acıdır. " Bu sırada, bu resim nihayet bana anlamının gizli bahçesine gizli bir kapı açtı.
Modern sanatı anlamak için daha derin düşünme, "modern insanları" nasıl anladığımızda yatar. "Modern insan" teması 19. yüzyılın sonlarında doğdu ve 2. Dünya Savaşı'ndan sonra da devam etti. İki dünya savaşı, siyasi yozlaşma, toplumsal çelişkiler, ekonomik krizler, ırkçılık, nükleer silahların kullanımı - 20. yüzyılda ortaya çıkan tüm bu fenomenler, insanların düşünmesini sağlıyor: İnsan bireyi nedir? Durumu nedir? İnsan trajedilerine neden olan iç ve dış nedenler nelerdir? Tarihsel trajediler karşısında, geçmişten gelen tüm eski fikirler parçalanıyor ve birleşik rasyonel özne kavramı artık geçerli değil. Bu, Birinci Dünya Savaşı sırasında birçok sanatçının soyutlamaya yönelmesinin önemli bir nedenidir: dünyanın imajı artık kesin ve doğru değildir. Bu konuda düşünmek ve araştırmak bizi daha geniş bir okumaya ve modern sanatı daha derin bir anlayışa götürecektir.
"Kandinsky" + "Rosco"
Herkes izliyor
Yazının telif hakkı "Sanlian Life Weekly" ye aittir, Arkadaş çevrenize hoş geldiniz , Lütfen yeniden yazdırmak için arka planla iletişime geçin .
"Kandinsky" + "Rosco"
Orijinal metni okumak için tıklayın, haftalık kitabevine girin, Daha fazla iyi kitap satın alın.
