Sanat bunu hak ettiği sürece, insan toplumu vermekten çekinmeyecektir.
Maddi medeniyetin son derece düşük olduğu tarihsel dönemde bile, insan toplumu sanattan hiçbir zaman mahrum kalmadı. Tıpkı hikayeler anlatmak ve şarkı söylemek gibi, tasvir etmek ve süslemek de insan doğasıdır, yuva yapan kuşlar kadar doğal. Sadece farklı zamanlarda ve bölgelerde, farklı sosyal ve kültürel bağlamların etkisi altında, sanatın ifade biçimleri çok farklıdır.
Mağara kaya boyama gibi devlet iktidarı ve toplum oluşumundan önce sanat, yaratıcı niyetinin genellikle şunlardan türediği varsayılır: Tanrılar ve Şeytanlar . Bu tahmin doğru veya yanlış olabilir, ancak insanlar genellikle bunları düşünüyor Tarih öncesi sanat, ataların kabile inançlarını gösterir , Ve kabile yaşam ritüellerinde rol oynadı. Erken Mezopotamya ve Mısır uygarlığı gibi bariz iktidar hiyerarşisini yansıtan rejimlerin ve toplumların ortaya çıkışından sonra Sanat, güçlülere hizmet etmeye, lüks saraylar için pastaya krema yapmaya, fatihleri övmeye, anıtları dikmeye dönüşüyor . Sanat ayrıca kurumsallaşmış dinlere hizmet eder, tapınakları dekore eder, tanrıları tasvir eder ve dini efsaneleri resimlerle sunar. Şu anda din ve laik güç birbirinden ayırt edilemez. Bu dönemin sanatı kolektif yaratımla karakterize edilir ve bireysel üslup veya yenilik yoktur; ya da çağ nedeniyle, yazarı tanımanın hiçbir yolu yoktur. Bununla birlikte, bu dönemin yaratılışı da zarif ve inceliklidir. Asur savaşı temasının eserlerinden ya da Mısırlı kuş ve hayvan tasvirinden, yaratıcı tekniğinin neredeyse mükemmel olduğunu görebiliriz.
"Genel Sanat Tarihi"
Doğru olabilecek ortak bir söz vardır: Modern bireycilik, Akdeniz bölgesinde iş ve çiftçilik yapan insanlar arasında ortaya çıktı. Yunanlılar, Fenikeliler, Etrüskler ve Romalılar gibi. MÖ 4. yüzyılın ortalarında Yunan heykeltıraş Praxiteles gibi zamanın sanatçıları sanatsal başarılarıyla ünlüdür. Elbette, belediye ve dini amaçlara yönelik kamu binalarının dekore edilmesi için sanata ihtiyacı var ve yöneticilerin büyük başarılarının da övgüye değer sanata ihtiyacı var. O zamanlar, Pompeii ve Herculaneum'un zengin vatandaşları gibi daha geniş bir sanat tüketici sınıfı da vardı. Manzaralar, portreler, natürmortlar, hayvanlar ve mitolojik eserler gibi çeşitli sanat eserleri yavaş yavaş ortaya çıkmış, bu sınıfın evlerini dekore etmiş ve bu sınıfın yüzünü resmetmiştir. Bu dönemin eserleriyle ilgili deneyimlerimiz yeterince kapsamlı olmayabilir, çünkü eserlerin varlığı tesadüfi: mozaik resimler ve duvar resimleri varlığını sürdürdü, ancak ahşap tahtalara boyanan resimlerin çoğu hayatta kalmadı.
Mozaik mozaik
4. yüzyıldan beri, Roma sanatı Hristiyanlıktan etkilenmiş ve Bizans sanatına dönüşmüş, böylece kilise ve güçlülerin bireysel dini inançları için bir hizmet aracı haline gelmiştir. Bu dönemdeki çalışmalarda, figürlerin çoğu dini ikonlar biçimini kullandı, içsel bir manevi değeri ifade etmeye ve soyut fikirleri ifade etmek için görünür şeyleri kullanmaya odaklandı. Bununla birlikte, ikonografi okulunun muhalifleri, insanların görünen simgelerinin görünmez manevi çağrışımların yerini aldığına ve bunların yerini aldığına inanarak güçlü şüpheler uyandırdı. İslam aynı zamanda Doğu Akdeniz bölgesinde doğdu ve ikonografi okuluna benzer itirazları var, ancak aynı zamanda geometrik bir desene ve oryantal resim ve hat sanatı stiline hayran. Bu İslam sanatı daha sonra zarif bir gerçekçilik tarzı ortaya çıkarır. İslam sanatı, Roma ve Bizans tarzlarından doğdu ve aynı zamanda İslam öncesi dönemde antik Pers ülkesindeki Sasani hanedanlığının sanatından tam anlamıyla yararlandı. Sasani hanedanı, Pers uygarlığının en yüksek başarılarından bazılarını bünyesinde barındırır ve sanat formları ve fikirleri doğuya Hindistan, Türkistan ve Çin'e yayılır.
MÖ 1. yüzyılda, eski Hindistan'daki Gandhara'da (kuzeybatı Pakistan ve doğu Afganistan'da bulunan), Buda'nın ilk taş heykeli tamamlandı ve daha sonraki Budist sanatı için bir model oldu. Budizm Hindistan alt kıtasından tüm Asya'ya ve dünyanın diğer bölgelerine yayılırken, Budist sanatı da Çin, Japonya ve Kore'nin yeni sanatı üzerinde benzersiz bir etkiye sahipti. Budizm, çeşitli ülkelerde gelişmeye devam ediyor ve ayrıca heykeller ve tapınak heykelleri gibi yeni sanat formlarını da beraberinde getirdi. Japonya'daki en eski sanat Budizm ile yakından ilişkilidir, ancak 9. yüzyıldan itibaren Japonya, Çin kültürünün etkisinden yavaş yavaş ayrıldı ve seküler sanat güçlendi ve resim nihayet Japonya'nın en önemli geleneksel sanatı haline geldi. Sivri uçlu kalem yerine fırçayla yazı yazılan bu ülkelerde insanlar resmin güzelliğine içgüdüsel bir his veriyor.
12. yüzyıldan 13. yüzyıla kadar, Batı Avrupa'daki değişiklikler durgun su havuzu gibi çok yavaş ve aralıklıydı. Ticaret ve tarımsal kalkınmanın yarattığı yeni servet kısmen dini yapılarda kullanıldı. Bu binaların çoğu resim ve heykellerle süslenmiştir. Bu dönemde sanatın üç boyutlu perspektife dikkat etmeye başladığı ve gerçekçiliğe dönüştüğü görülebiliyor ancak Giotto'nun (yaklaşık 1270-1337) veya Simone Martini'nin (yaklaşık 1285-1344) sanatsal üslubu ve Bizans sanatı tarzında çok az fark var. Kilisenin dışında, Floransa, Bruges ve Venedik gibi gelişmiş finans ve ticarete sahip şehirler sanat üretim merkezleri haline geldi. O dönemde ışık perspektifi teorisinden etkilenmeli ve sanat müdavimleri sanatsal yaratımdaki ayrıntıların kesin tasvirine dikkat etmeye başladı. Klasik mitler ve efsaneler kısmen dini temaların yerini aldı ve sanat eserleri daha zarif kıyafetleri, ev eşyalarını ve çeşitli lüks eşyaları tasvir etmeye başladı. Yağlı boya tabloların değişmesi nedeniyle tablolar gittikçe daha taşınabilir hale geldi ve bu zamanda lüks öğeler haline geldi, ancak duvar halıları ve benzerlerine kıyasla hala daha az değerli görülüyorlardı.
15. yüzyıldan 16. yüzyıla kadar tüm dünyada çeşitli resim teknikleri uygulandı. Bu dönemde Batı sanatı daha sonra "Rönesans" olarak adlandırıldı. Üstün sanatsal teknik ve karmaşıklık açısından, bu aşamada İran minyatür resmi ve Çin manzara resmi benzersizdir. O zamanlar, güney Çin'deki canlı popüler pazar kültürü, çeşitli resimlerin mekanik olarak yeniden üretilmesini sağlayan baskının gelişmesine de katkıda bulundu. O dönemde güney Almanya'da ve daha sonra Japonya'nın Edo döneminde Ukiyo-e'de durum aynıydı. Bununla birlikte, Batı sanatı geleneği hala önemli ölçüde farklıdır. Sanatçılar sadece çizgi perspektif çizimi gibi yaratıcı teknikleri araştırıp yenilemekle kalmadı, aynı zamanda sanat müşterileri de yeni beceriler ve stiller sunabilecek sanatı dört gözle beklemeye başladılar. Aynı zamanda yarı el ustalarının uzun vadeli yaşam koşulları ve atölye tarzı yaratma yöntemleri de sanatçıların yaratıcı dehası hakkında teoriler doğurmuştur. Bazı sanatçılar yıldız benzeri prestij ve statü kazandılar ve sanat patronları da ünlü sanatçılarla sözleşme imzalamak için yarışıyorlar.
Ming Beijing Sekiz Görünümler
Rönesans ve Reform sırasında, farklı sanatsal tarzların refahı, Avrupa kültürünün ve toplumunun çeşitliliğini yansıtıyordu. Venedik ile Doğu arasındaki ticaret, bazı olağanüstü tablolara yol açtı çünkü resimlerde kullanılan pigmentler diğer ürünlerle birlikte ithal edildi. Barok sanatının abartılı dramatik tarzı, Katolik Reform Karşıtı hareketin bir ifadesidir. Hollanda'daki Protestanlar, istikrarlı ve titiz burjuva evlerini dekore etmek ve onurlu yurttaşlık yaşamlarını göstermek için farklı bir sanata ihtiyaç duyuyorlar. İç dekorasyon resimleri, manzara ve portrelerin hepsi bu sınıfın iç yaşamına ve dışsal doğruluğuna işaret ediyor. Krallar, prensler ve soylular, sanatın kendi refahlarını ve zenginliklerini tasvir etmesine izin vererek hala ağır ödüller veriyorlar.
Botticelli "Bahar"
18. ve 19. yüzyıllarda Avrupa, kendi sanat tarihini net bir şekilde anladı ve bir dizi usta şaheserine kültürel hazineler olarak saygı gösterdi ve bunları halkın ruhunu ve ahlakını beslemek için sanat galerilerinde sergiledi. Geçmişin ustalarının hayranlığı, çağdaş ressamları atalarını taklit etmeye teşvik etti. Geleneksel sanat patronları veya koruyucular ve saray ressamları ortadan kayboluyor, ancak süreç yavaş.Örneğin, Napolyon imparatorluk ihtişamını övmek için ressamlar tuttu. Ancak sanatçılar hiç şüphesiz kendi idealleri için yaratma eğilimindedirler. Avrupa toplumunun seri üretim, makineleşme, faydacılık ve akılcılık doğrultusunda gelişmesiyle birlikte Avrupa sanatı romantizm dönemine girdi. Zengin çağrışımlara sahip bu tür bir kültürel hareket, doğayı savunur, makineleşmeye ve toplumsallaşmaya açıkça karşı çıkar, gerçek mizaca saygı duyar, saf akla karşı çıkar ve sanatçıları burjuva toplumunun kaba züppeliğine direnmeye teşvik eder.
Bu dönemin sanatçıları bilinçli olarak modern materyalizm dünyasının karşı tarafında yer aldılar. Bazı ressamlar modern şeylerden kaçınır ve ortaçağ ya da ilkel temalarda yiyecek arar; diğer ressamlar modern kentsel yaşam malzemelerini seçer, ancak bunları yalnızca alegorik nesneler olarak kullanır. Sanatçılar tarafından yaratılan eserler piyasada serbestçe alınıp satılabildiği için ekonomik bağımsızlık kazanmışlardır. Sanatsal dehaları tespit etmek ve sanatçılar ile sanat takdir toplayıcıları arasındaki bağlantıyı anlamak için sanat tacirleri ve sanat eleştirmenleri önemli bir rol oynadılar. Bundan garip bir fenomen ortaya çıkıyor: İnsanlar sanatçıların sadık olmalarını ve kendi yeteneklerinin ifadesine odaklanmalarını beklerken, aynı zamanda piyasayı pervasızca küçümseyen sanatçıların yarattığı eserlerin bu küçümseme nedeniyle piyasa tarafından kabul edilmesini talep ediyorlar. Avangart kavramı sonradan ortaya çıktı: Bu tür bir tür estetik radikalizmi temsil ediyor, ancak yine de geçmiş geleneklerin tanınmasını ima ediyor. Eski geleneklerin arka planı altında, yeni eğilimin radikalizmi ve mevcut popüler estetik çekiciliği küçümsemesi daha belirgindir. Avangart, halk tarafından hızla kabul edildi ve bu türün estetik değeri de evrensel olarak kabul edildi.
Toplumda ve teknolojide yaşanan hızlı değişimler sanatçıları pek çok yönden etkiledi. Seri üretilen tüp dolgulu boya, sanatçının stüdyonun prangalarından kurtulmasına ve dış mekanlarda resim yapmasına olanak tanır. Kapitalist imparatorluğun yükselişi ve uluslararası değişimler, küreselleşmenin ilk dalgasını başlattı ve ayrıca Japon Ukiyo-e ve Afrika maskeleri gibi egzotik sanatsal unsurları da beraberinde getirdi. Sanatçılar da uzaklara seyahat etmeye başladı. Eugène Fromentin (1820-1876) ve William Holman Hunt (1827-1910) iki oryantal ressamdı ve yerel doğal gelenekleri ve kültürü öğrenmek için Kuzey Afrika ve Orta Doğu'ya seyahat ettiler. Doğrudan gözlemleri gerçek resim detaylarında kaydedilir. Çağdaş Paul Gauguin (1848-1903), Pasifik ada ülkelerinin egzotik atmosferine takıntılıydı ve en iyi çalışmalarını burada tamamladı. Fotoğrafın ortaya çıkışı, sanatsal yeniden üretimin işlevi konusunda tartışmaları tetikledi, ancak ressamlara yeni yaratıcı kaynaklar da sağladı. Marcel Duchamp (1887-1968), 1912'de stop-motion çekimin dinamik etkisini açıkça yansıtan "The Nude Walking Down the Stairs: No. 2" yi 1912 yılında yarattı. Optiğin bilimsel araştırma sonuçları, sanatçıların resimde yeni renk kullanma girişimlerine katkı sağlamıştır.Claude Monet (1840-1926) ve George Seurat (1859-1891) tarafından benimsenen boyama teknikleri örnek olarak verilebilir.
20. yüzyılın gelişiyle birlikte Batı sanatı, önceki sanat formlarının sınırlarını aşma niyetiyle deneysel bir döneme girdi. Kübizm ve soyut sanat arayışı ne dekorasyon ne de yeniden üretimdir, dünyaya bakmanın yeni bir yoludur. Bilim ve teknolojinin sürekli ilerlemesi ve filmlerin, arabaların, elektrik lambalarının ve uçakların ortaya çıkışı da sanatı değiştirdi.Fütürizm bir örnektir. Avangart sanatçılar, her türlü sanatsal hareketi savunan ve destekleyen manifestolar yayınladılar. Bunların hepsi Birinci Dünya Savaşı'ndan önce oldu. Birinci Dünya Savaşı sırasında, görevliler tarafından korunan ve korunan "savaş sanatçıları" da vardı.Bu, eski sanat hamisi veya koruyucusu sisteminin dirilişi gibi. Savaştan sonra kültürel bir kriz yayıldı, ancak sonuçları çok çeşitliydi. Bazı sanatçılar yeni sanatsal standartlar bulmaya veya klasisizme geri dönmeye çalışırken, diğerleri klasikleri tamamen alt üst eder, mantıksızlığı savunur ve tabuları yıkar. Kişisel tarzlar ve çeşitli çatışan okullar çoğaldı, Avrupa otoriterliği de artıyor, Naziler ve faşistler, gerileyen burjuva sanatını tamamen terk ettiler ve diktatörlüğünü övmek için kahramanca bir figüratif sanatı şiddetle savundular. Tüm bu kaos harika bir fenomen yarattı: modern sanat açıklanamaz bir şekilde kapitalizmin, özgürlüğün ve demokrasinin bir sembolü haline geldi ve hatta CIA, II.Dünya Savaşı'ndan sonra Amerikalı soyut sanatçılar için bir sponsorluk kaynağı haline geldi. Amerikan ekonomisinin gücü kaçınılmaz olarak sanatının refahına yol açacaktır: Amerika Birleşik Devletleri sanat üretiminin merkezi haline geldi ve New York, dünyanın sanat başkenti olarak Paris'in yerini aldı.
1945'ten sonra bazı sanatçılar kahramanca ya da romantik yaratım paradigmalarını sürdürdüler, kendilerini büyük ölçekli aksiyon resmi soyut çalışmalarında ifade ettiler ya da Francis gibi açık dışavurumcu özelliklere sahip bazı çalışmalarda acı ve şehitlik görüntülerini sundular. · Bacon (1909-1992) çalışmaları. Sanatçının ticari toplumdan duyduğu tatminsizlik, gelenekle daha radikal bir şekilde kopmasına neden oldu. Performans sanatçılarının ve daha sonra kavramsal sanatçıların yaratılması, eserlerin genellikle "nesneler" olduğu geleneğini kırar. Andy Warhol (1928-1987) mekanik olarak kopyalanmış bitmiş bir görüntü sundu ve buna "sanat" adını vererek bir sanatçının yaratması gereken "efsaneyi" kırdı. Pop sanatçıları, soylu sanatın seçkinlere ait olduğu klişesini reddediyor. Kitle iletişim araçları çağının gelişiyle birlikte, görsel imgelerin çoğalması, sanat izleme yöntemlerinin ayarlanmasına yol açtı - sanat artık birçok görüntüden sadece biri. İroni şudur ki, sanatın fiyatı ticaret karşıtlığından etkilenmemiş, eşi benzeri görülmemiş boyutlara çıkmış ve hatta insanlar için vergi ve spekülatif yatırımdan kaçınmanın bir aracı haline gelmiştir. İster eski eserleri sergileyin ister modern kreasyonları sergileyin, sanat müzeleri ve sanat galerileri, giderek zenginleşen eğlence ve turizm endüstrisinde önemli bir yer işgal etti. Enstalasyon sanatı gibi radikal sanat eserleri, izleyicilerin ilgi odağı haline geldi.Bazı sanatçılar medya kültürüne kolayca uyum sağlayarak kültürel ünlüler arasında yer alıyor.
19. yüzyıl İngiliz sanat eleştirmeni John Ruskin'in dediği gibi, sanatın nesnel ortamı düzgün bir yol gibi görünmese de: "Sanat hak ettiği sürece, insan toplumu bunu vermekten çekinmeyecektir."
Makale, Aralık 2019'da yayınlanan Beijing Union Press'in "Genel Sanat Tarihi" nden alınmıştır.
