Westwood'dan Rei Kawakubo'ya, 20. yüzyılın sonlarında moda tasarımını nasıl anlıyorsunuz?
"Moda Sanatı ve Eleştirisi"
kısa giriş
Bu kitap, 20. yüzyılın sonlarındaki en yaratıcı dokuz moda tasarımcısının tasarım konseptlerini ve kültürel kökenlerini açıklıyor: Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Gareth Pugh, Miuccia Prada, Aitor Throup, Viktor ve Rolf, Rad Hourani, Rick Owens, Walter van Beirendonck. Giysi tasarımları çok kişiseldir, ancak kafa karıştırıcıdır ve birçok insan tarafından yanlış anlaşılır. Moda eleştirisi perspektifinden yola çıkan bu kitap, bir moda tasarımcısının çalışmalarını özetlemek için anahtar bir kelime kullanıyor ve daha sonra bu profesyonel kelime dağarcığını çeşitli kültürel açılardan yorumlayarak özetlediği tasarımcılar ve işler sıradan okuyucular tarafından anlaşılsın. .
yazar hakkında
Adam Geczy (Adam Geczy), sanatçı, yazar, Sydney Üniversitesi Sanat Okulu'nda kıdemli öğretim görevlisi, "Moda ve Doğu Çalışmaları" nı yayınladı.
Massey Üniversitesi Sanat Okulu'nda profesör olan Vicki Karaminas, "Popüler Kültürde Moda ve Erkeklik" kitabını yayınladı.
Kitap alıntıları
Önsöz Alt kültürden ileri kültüre
Malcolm McLaren ve Vivienne Westwood'un 1971'de buluşmasından kısa bir süre sonra, 430 Kings Road'da Let it Rock adlı bir mağaza açtılar. Dükkan. Kısa süre sonra bu mağaza efsanevi bir punk moda mağazasına dönüştü, bu yüzden mağazanın adını çok kışkırtıcı "SEX" olarak değiştirdiler. O zamanlar insanların sık sık söylediği gibi, her zaman tamamlayıcı ve verimli ortaklardı. Her ikisinin de aşırı zevkleri vardı, kaotik estetiğe takıntılıydı ve gelenekleri çiğnemek istiyorlardı. Anarşist duyarlılıkları gotik melankoli ve çılgınlığı birleştiriyordu. Karnaval karışık. McLarenin genel konsepti, günlük perakende mağazalarının iş mantığına uymuyor, ancak sanat enstalasyonlarının yaratılmasına daha yakın. Durumçuluğun "dérives" inin, modern insanların uyuşukluğunu günlük hayata yoğun müdahaleler yoluyla canlandırmak anlamına geldiğine inanıyor. Bu yorum "Kumsal kaldırım taşlarının altında" gibi tişört sloganları yarattı. Giysiler yeniden şekillendirildi, kemikler ve kesikler dikildi, birçok garip çatlak ve delik yırtıldı ve kasıtlı olarak bazı iplikler ve aşınma izleri oluşturuldu. McLaren ve Westwood, savaş sonrası moda endüstrisindeki muhafazakarlıktan çaresiz ve sıkılmış hissetti, bu yüzden giyim hakkındaki görüşlerini birleştirdiler. Bu moda, giyim ve stil için "kritik moda" dediğimiz bir dönüm noktası haline geldi.
Eleştiri, çok modern bir kavram olmasına rağmen, antik felsefeye ve en eski Budizm'e dayanır. Öğrenciler, keşişler ve inananlar, olayların özünü fenomenler aracılığıyla görebilmek için yüksek düzeyde bir kavrayışa, içe dönük şüpheciliğe ve doğru yargıya sahip olmak için bu biliş ve düşünme biçimine hakim olmalıdır. Eleştiri, anlamak için en iyi çerçeveyi sağlamak için çalışmaların değerini değerlendirirken ve tartarken önemli bir bileşendir. Theodor W. Adorno'nun (Theodor W. Adorno) "Kültürel Eleştiri ve Toplum" adlı ünlü makalesinde ( Kültürel Eleştiri ve Toplum ) Dedi: "Kültür eleştirmeni medeniyetten memnun değil, ancak tatmin olmuyor." Kültür eleştirmeninin bu toplumda "ücretli ve saygın bir bela" olduğuna inanıyor. Konumları "kültür endüstrisi" tarafından asimile edilmemelidir ve kültür endüstrisi, farklılıkları sürekli benzerliklere dönüştürerek tüketimi teşvik eder. Adorno, konumu nedeniyle kültürel eleştirmenleri çok eleştirir: kültürünün dışındaymış gibi davranır. "Kültürel eleştiri kördür." Adorno, eleştirmenleri eleştirdikleri şeyle körü körüne gizlice anlaşmaya varmamaları konusunda uyarıyor.
Eleştiriyi yorumlayan bir diğer kuramcı ise Michel Foucault, "eleştiri yalnızca kendisiyle hiçbir ilgisi olmayan şeyler üzerinde var: bir araçtır ... denetlemek istemediği bir şeyi denetler ve Kontrol edilemeyen alan. "Eleştiri, güçle son derece akışkan bir ilişki sürdürür, yüzeyde güç kullanma koşullarını sürdürmeye çalışır, böylece gerçek renklerini, yani mit ve ideolojik yapıyı ortaya çıkarır. Eleştiri tamamen nesnel olamazsa, yine de kendi savunmasızlığına dair bir öz farkındalık sürecidir ve bu, eleştiri sisteminin kusurlarını ve dezavantajlarını ortaya çıkarabilir.
Felsefede eleştiri eski bir kavramdır, ancak sanatta eleştiri moderniteyi ilerletmiştir. Aslında modernliği, sanatın toplumda bir rol oynadığı ve toplumun kendisinin de sürekli yeniden değerlendirmeye dayalı sosyal ve politik düşünceleri işlediği inancına dayanmaktadır.Aynı zamanda teknoloji ve düşüncenin gelişmesiyle birlikte, halkın sapma ve çelişki. Bu anlamda modernist sanat, Fransız Devrimi ve Jacques-Louis David'in eserleriyle başlamıştır, ancak eserleri retorik anlamda sadece halkın iradesini, erdemini ve vizyonunu yansıtmaktadır. Bu, önceki nesillerin sanatını küçümsemek için değil, aynı zamanda ince bir ironi ve örtük alegorileri de var. Bununla birlikte, 19. yüzyılın sonlarına kadar müzik ve edebiyat gibi sanatların alenen sosyal sorumluluklar üstlendiği ve sosyal düşünceleri etkilemeye çalıştığı görülmedi. Beethoven'in "Heroes Symphony" ("Heroes Symphony") aslen Napolyon'un devrimci kahramanlığı için bestelediği gibi. Eroica, 1804 ) (Daha sonra Beethoven fikrini değiştirdi); başka bir örnek de Géricault'un "Medusa Raft" ( Medusa'nın Salı, 18181819 ), bu resim Bourbon hanedanının sanatsal abartı ve görsel performansla restore edilmesinden sonra aristokratik adam kayırmacılığının felaket sonuçlarını tasvir ederken, bir başka örnek de Goya'nın "Savaşın Felaketi" dir ( Savaşın Felaketleri, 1810-1820 ), bu üzücü çalışma grubu, seyircinin Napolyon döneminde İspanyolların yıkımına tanık olmasına izin verdi. Bütün bu çalışmalar bir asır önce var olamazdı çünkü o dönemdeki tüm yorumlar üstü kapalı ve muğlaktı ve bu eserlerin aktardığı bilgileri halk kabul edemiyordu. Ama şimdi, bu tür çalışmalar bilinçli olarak toplumsal düşüncelere entegre oluyor ve çeşitli şekillerde halkın gözyaşlarına dokunuyor.
Bu girişimin başarısı olağanüstü. 20. yüzyılda sayısız sanatsal yenilik ve estetik yeniden şekillenme, gittikçe farklılaşan ve ilerleyen bir dünyayı yansıtıyor ve halk, sanatın sorumlulukları ve yükümlülükleri konusunda daha çeşitli ve derin bir anlayışa sahip. İnsanlar hala daha iyi bir görme ve anlama yolu bulmaya çalışıyor ve bazı gizemli penetrasyonlarla tüm dünya üzerinde bir etki yaratıyor. Ve postmodernizm, aslında modernizmin meleksi ütopik yüzünü kaldırdıktan sonra geri dönüşüdür. Modernizmden sonraki sanat hâlâ eleştirmeye heveslidir ve biçiminin iki özelliği vardır; biri bariz bölgeselliktir, diğeri ise kültürel kimlik ve cinsiyet politikasının özellikle öne çıktığı giderek daha fazla çeşitlenir. Ancak 1980'lerde yaşanan ekonomik patlama ve çöküşün ardından sanat, 1990'larda yavaş yavaş medyaya entegre oldu ve bu temelde kamuoyu nezdinde yaygın bir cazibe merkezi haline geldi. Bu cazibe aynı zamanda sanat dünyasının temel taşı haline geldi - bu yüzden Julian Stallabrass (Julian Stallabrass), "genç İngiliz sanatçılar" ı (yBas) tanımlamak için "Yüksek Sanat Lite" terimini buldu Estetik. Bu eğilim, ekonomik rasyonalistlerin anlayış çerçevesi ile yakından ilgilidir.Bu anlayış çerçevesi, daha yüksek sayfa görüntülemeleri sağlamak için yakınlığın ve izleyici katılımının artırılmasına vurgu yapar ve serginin gişe geliri, serginin başarısını ölçmek için ana kriter haline gelmiştir. . Sanat eleştirisinin yavaş yavaş sona ermesi bir atmosfer yarattı: sanat yavaş yavaş bir eğlence biçimi haline geldi, artık saf değil, daha geniş bir çekiciliği var ve modeli şaşırtıcı bir şekilde moda endüstrisine benziyor. 2002'de ünlü sanat tarihçisi T.J. Clark şu soruyu sordu:
Görsel sanat, video ürünlerinin doğrudan ve tereddüt etmeden bir parçası haline gelmiyor mu? İnsanların görsel sanatlar ile moda endüstrisi arasındaki ayrım çizgisinin ortadan kalktığını fark etmelerinin gerçek anlamı bu değil mi? > sadece görsel sanat yok olmadı, hatta sanat artık yok.
Clark'ın milenyumda bu soruları yazmasından bu yana, sanat eserlerinin şifreli özellikleri ve sanat eleştirisi üzerine tartışmalar dikkat çekti. On yıl sonra, Hal Foster bu "Post-Critical" dönemi için bir makale yazdı ve genç New York sanat eleştirmeni David Geers, Çağdaş sanat, herhangi bir eleştirel düşünceyi veya tarihsel rasyonaliteyi dikkate almadan "Neo-Modern" terimini icat etti. Sanat görünüşe odaklandı ve belirli tasarımlar ve stiller, "Hollywood ve egzotik pazarlara eşdeğer özel ticari formlarla sanat dünyasına bağlıydı [örneğin, Marc Newson tarafından tasarlanan sürat teknesi Gagosian Galerisi'nde satılıyor] ".
Yeni biçimcilik, Adorno'nun savunduğu "özerk sanat" ın acımasız bir alay konusu, çünkü bu gösteri "göbek bağıyla bağlı". 2000 yılında, estetisyen Mario Perniola, "güncel sanatı", sanat ve görünüşün yakın bir birleşimi ve bölgesel sanat ile gerçeklik arasında bir ayrım olan "aptal ve zeki" olarak tanımladı. . Paradoksal olarak, sanatsal modernizmdeki soyutlama ve defacto etkinlikler daha derin bir benlik ve dünya düzeyi bulmaya çalışıyor, ancak "bugünün gerçekçiliği" ya parçalanmış bir fantezi ya da bir "yorum ve reklamcılık" bayağılıktır. . Perniola, Gilesin "sıfır dereceli teorinin genel bir düzleşmeye yol açtığı ve şimdi aşırı gerçekçilik kesinlikle herhangi bir aracılık olmaksızın varoluşu gösteren önermedir" tezinin habercisidir. Sanat ve bilginin birleşimi, modernizmin altın çağında olduğundan daha kırılgan ve keyfi görünüyor, çünkü bu yazarların öne sürdüğü gibi, sanat artık yalnızca temsiller sunuyor veya sanatın giderek zayıflayan çağrışımını yansıtıyor ve entelektüel elitlerin meta oyununda lüks bir piyon haline geldi. .
Bununla birlikte, sanatın nihai sonucu, hiçbir şekilde bir yanılsama ya da tarihsel determinizm (örneğin, Hegelci anlamda sanatın sonu ve 1980'lerde sanatın sonu), sözlü bir mesele ya da ilginç bir argüman değildir. İyi sanatın göründüğü yerde artık ilgi odağı değil. Gerçekten dikkat etmesi gereken olgu, ana akım sanat eleştirisindeki son değişiklikler ile modanın kaderi karşılaştırılırsa, bu karşılaştırmada yeni bir moda trendi, tasarım yöntemi ve sahne sanatı hissedeceğiz. Defileler) yükselişte, önemi ve etkisi büyük ve geçmiş sanatın kritik niteliğini vurguluyorlar Bu moda eleştirisidir. Bazı moda öğeleri, tarzları ve eğilimleri (tüm modalar değil) kültürel eleştirinin hayatta kalabileceği tanımlanabilir bir alana sahiptir ve bu alan her zaman mükemmel sanat eserlerinde var olmuştur. Sanatsal eleştirel faaliyetin kademeli olarak azalmasının düzensiz olmadığını, yavaş yavaş moda alanına girdiğini söyleyebiliriz, bu da çoğu sanat eleştirmeninin, moda kuramcısının ve tarihçisinin dikkatini çekmemişti. Bu durumun nedeni basittir, yani moda, sanat araştırmaları alanında veya sanat çevrelerinde çok fazla ilgi görmemiş, ancak klişe nedenlerle (modanın değişmezliği, klasisizm vb. Olmaması) terk edilmemiştir.
Moda ve giyim her zaman statü ve zenginlik göstergesi olmuştur. Modern yaşamda, Fransız Devrimi'nde olduğu gibi, bunlar hala yeni düzene aidiyet ve sadakatin önemli işaretlerinden biridir (ve aynı zamanda eski düzene muhalefetin bir işaretidir). Ancak bu, moda ve giyimin işlevinin bir moda eleştirisi olmadığı anlamına gelir. Aksine, moda eleştirmenleri bu anlamların çarpıtıldığına ve abartıldığına, ani ve alışılmadık olduğuna inanıyor.
Karşılaştırma olarak, neyin kritik bir moda olmadığını tartışmak için "hermetik moda" kavramını kullanabiliriz. Mühürlü moda, genellikle klasik modanın değer yöneliminden kaçınmak için kullanılır. Klasik moda uzun bir geçmişi olan bir kavram, hem bir iş kavramı hem de heteroseksüel söylem hegemonyası ile ilgili bir ifadedir. Klasik moda ile karşılaştırıldığında, mühürlü moda, pratiklik ve gösterişsizlik ile karakterize edilir: T-shirtler, takımlar, siyah elbiseler - bunların tümü, eylem ve imajdaki insanların önemini vurgulayan mühürlü moda örnekleridir. Az önce söylediğimiz gibi, klasik modanın değer temeli Winckelmann'ın eşcinselliği ile sarsılıyor. İronik bir şekilde, mühürlü modanın öncüsü, gereksiz kıvrımları kaldıran ve giysinin kesim stilini ve bitişini vurgulayan Beau Brummell'di (Beau Brummell). Brummel aynı zamanda moda (veya anti-moda) kavramını eleştirmede öncüdür Modayı eleştirme kavramı yeni bir öz-biliş mantığı getirmiştir ve artık giysiyi onun statüsünün bir işareti olarak görmemektedir. Bununla birlikte, Brummel'in çalışması nihayet standart klasik stile dahil edildi. Ama ayırt ederek modayı eleştirmenin çok özgün ve bazen tuhaf olduğunu görüyoruz, hatta heykel sanatıyla bile karşılaştırılabilir. Ama moda eleştirisi bu özelliklerle sınırlı değil, daha sonra tanıtmaya devam edeceğiz, geleneksel modayı fethetmek için cinsiyet düzenine meydan okumanın bir yolu.
Westwood ve McLaren örneği, kendisini sanata benzer bir şekilde ifade eden yeni moda tarzının temsilcilerinden biri ve onu takip eden tasarımcılar, Batı'yı taklit ederek farklı kültürel ortamlarda çalışıyorlar. Wood bir stil ikonu ve bağımsız bir ajans olarak gelişti. 1970'ler, aşırı sanatsal deneyler dönemiydi ve sanatın sınırları sürekli olarak yıkılıyordu. Ayrıca, McLaren'ın dayandığı "durumsalcılık" tam anlamıyla bir sanat hareketi değil, daha çok topluma karşı bir strateji gibi. Onların benimsedikleri dérive ve détournement yöntemleri, toplumsal alana çok fazla müdahale etmiyor - her ne kadar bu anlaşılabilir bir yan ürün olsa da - toplumsal bilinç düzeyinde bir çatlak yaratmak, meta ve piyasayı kırmak. Cansız. Aynı zamanda, Avrupalı ve Amerikalı sanatçılar aktif olarak sanatı dış dünyaya entegre etmeye veya galerilerin sınırlarının ötesine geçmeye çalışıyorlar. Kısacası sanat, yüzlerce yıldır daha önce hiç görülmemiş bir şekilde, uzayda olma veya var olma arayışı içindedir.
Herkesin anlayışına göre, moda endüstrisi hala "stil" ve "moda" ile iç içe olsa da, aslında moda endüstrisinde yeni bir tasarım modeli var. Bu model pek çok durumda rezil görünse de karmaşık yorum biçiminde güçlü bir canlılık gösterir. Modernizmde modanın eleştirel ve yıkıcı boyutları olduğu kabul edilmesi gerekse de, bunlar sadece normatif biçimlerden sapmalardır. Örneğin, Dandy stili ve bohem stili, punk stili ve sadomazoşizm (BDSM) stili veya sömürgecilikle karmaşık bir ilişkisi olan ulusötesi ve kültürler arası stil modası vb. Aynısı alt kültürler için de geçerlidir ve stil sunumlarının ana akım kültürle çoğu zaman zaman ve coğrafi boşlukları vardır. Bununla birlikte, bu kültürel türler artık moda endüstrisi tarafından bir retorik olarak özümsenmiştir: altkültürel tarz, moda dilinin bir parçasıdır Bu sadece bir alt kültür değil, aynı zamanda moda dilinin ifade biçimi olarak da sınıflandırılır. Örneğin, punk stilinin sapkın etkilerini tükettiği ve punk'tan çok sapkın davranışlarla ilgili bir dizi görsel kayda dönüştüğü söylenebilir. Tarzdaki kültürel duruşu bir sembole, davranışa veya hatta başka bir sembole sadeleştirerek, başlangıçta sapkın ve etkileyici olan bu stiller genellikle şoklarına ve potansiyellerine ihanet edeceklerdir. Bu yargı belli bir düzeyde etkili olsa da sanat veya moda alanıyla sınırlıdır. Politik ve sermaye küreselleşmesi çağında endemik bir hastalık olduğu için, bu dönem aslında sözde "post-demokratik" dönemdir veya daha önce Michel Maffesoli tarafından tanımlanan "kabile çağı" dır. kabileler).
Modern topolojide, tıpkı kolej için öncü olmadığı gibi, mevcut yaşamda da dış cephe yoktur. Bu nedenle, "moda karşıtı" bile moda sisteminin dışında değil, moda sisteminin bir alt tipidir. Bu yapısal patlama sanata zarar verse de moda için faydalı olabilir. Sinizm çağdaş sanat için bir terimdir, ancak çağdaş modayı da tanımlayamaz. 1980'lerde sanat eleştirisinin krizi, ana akım sanatın artık uygulanabilir bir dış eleştiri ye (pratik veya efsanevi) sahip olmadığı kabulünden kaynaklandı. Sanattaki eleştirel anlatı, dış şeyler için güçlü bir nostaljiyi sürdürürse, o zaman uzun süredir meta ve sistemlerle barış içinde bir arada var olan moda alanı için, eleştirel yorum, sisteme bilinçli ve aktif katılımı sürdürecektir. . Westwood ve punk'ın altkültürel tarzı gibi tasarımcıların taklit etmeye ve iyi davranmaya hevesli olmadıklarını, farklı bir durumda olduğunu görebiliriz: altkültürel tarz, maddi iletişimin evrimsel sürecinin yalnızca ilkidir. Son aşama, kültürel, etnik ve cinsiyet farklılıklarını yorumlayabilen bir stil koleksiyonu olarak sunulmuştur.
Bu bakımdan, bu kitapta yaratılan ve tasarlanan eleştirel moda tarihsel bir kavramdır. Schiaparelli'nin Dalì ile işbirliği veya Yves Saint Laurent'in Mondrian'ı radikal bir şekilde ele geçirmesi gibi bazı temel öncülleri vardır. Bu durumlar genellikle sanat ve modanın kesiştiği noktada kullanılır Eleştirel moda, eleştiri ve kültürel pratikte yeni bir tarihsel alan açar ve bu alan bu kesişimleri içerir. Modayı eleştirmek, moda endüstrisinin bir kolu olup, bazı modacıların eserlerinde, moda dizilerinde, defilelerde ve moda filmlerinde farklı derecelerde yansıtılmaktadır.
Bu kitap, çeşitli tasarımcıların örnek olay incelemelerinden oluşmakta olup, çalışmaları moda eleştirisine kavramsal tanım ve yön rehberliği sağlamaktadır. Ama bu kitap tam bir liste değil, özellikle son yıllarda çok ilgi gören Margiela, Chalayan ve McQueen tasarımcıları geriye kalan çok sayıda boncuk var. Dahil edilmemelerinin nedeni basit bir mantığa dayanmaktadır: Çalışmaları çok fazla ilgi görmüştür ve araştırmaları bu kitaba önemli bir destek olarak kullanılabilir ve ayrıca bu kitabın başlangıcı olarak da kullanılabilir. Westwood ve Kawakubo gibi tasarımcıların aldığı eleştiri ve ilgi yukarıdakilere benzer, ancak bunlar temel teorik koordinatlarla bir anlayış çerçevesi oluşturmak için çok önemlidir: Rei Kawakubo, giysi yapısının yeniliğine dikkat eder, Weiss Turwood, siyasetin ve direnişin rolünü vurguladı. Bunlar birbirini tamamlayan iki yüz: Rei Kawakubo'nun yeniliği giysinin kendisinde, Westwood'un yeniliği ise giyim dışındaki maddi olmayan varlıklarda yatıyor.
Westwood ve Rei Kawakubo'dan başladıktan sonra, bu kitap McQueenin öğrencisi Gareth Pugh'u analiz etmeye devam edecek.McQueenin aşırı zevkini miras aldı ve eserlerinde her zaman bir tehlike işareti var. Daha sonra Miuccia Prada ile ilgili bölüm ilk üç bölümü yankıladı: Prada geleneksel estetik normları alt üst etmeye çalışsa da genel olarak farklı estetik bakış açılarını benimsedi. Bölüm 5, Aitor Throup'un "anatomik anlatılarını" inceliyor. Slomp kendisini bir sanatçı olarak görüyor ve yan ürünleri de moda ürünleri oluyor, insan vücuduna geleneksel bronz heykel dökümüyle yaklaşıyor, ancak vücut kısmının bütüne ait olmadığına inanıyor. Başka bir deyişle, beden, gövdeye uzuvların bir toplamı değil, nihayetinde soyut birimlerle yoğunlaştırılmış bir bütünlüktür. Tasarım alanına ekstrapole edildiğinde, bu görüş beden ve öznellik arasındaki ilişki üzerinde özel bir etkiye sahiptir. Aşağıdaki bölüm yetkili Viktor ve Rolf'u tanıtıyor: Çalışmaları, olumsuzlama ve boşluk gibi bazı soyut kavramları içerirken, kavramsalcılık ve sanat enstalasyonları üzerine odaklanıyor. Bölüm 7, temel odak noktası cinsiyet bilinci olmayan ve şu anda yerleşik olan cinsiyete duyarlı olmayan moda olan genç bir tasarımcı olan Rad Hourani'den bahseder. Genellikle tarafsız olarak adlandırılan şube. Rick Owens, toplumsal cinsiyet konusuna geri dönüyor: Podyum performanslarının lüksüne dayanan Bölüm 8, moda koleksiyonları ile podyumları ve cinsiyet inşası arasındaki ilişkiyi tartışıyor. Son bölüm, Walter van Beirendonck'a odaklanıyor, toplumsal cinsiyet konularını yineliyor ve aynı zamanda geleceğin modası, "post-insan vücudu" modası ve teknoloji tarafından ince ayarlanmış vücut gibi kavramlardan bahsediyor. Tasarımcılar kendi alanlarında kendi alanlarında mükemmel olsalar da, bu çalışmalar dizisinin kapsamlı ve hedeflenmemiş olması üzücü. Bu çalışmalar her ilgili tasarımcıyı örnek alsa da, bunu moda pratiği, giyim, sergileme, performans ve tüketimdeki çağdaş sorunları analiz etmek için de bir temel olarak kullanıyorlar.
Başlıktan da anlaşılacağı gibi, her bölüm çağdaş moda ile ilgili farklı odak noktaları içeriyor .. "Antroposen" (antroposen) olarak adlandırılan bu çağda, insan varlığı ve faaliyetleri doğal çevre üzerinde önemli bir etkiye sahipti. Bu aynı zamanda "post-insan" (post-insan) veya "post-hümanist" (post-hümanist) olarak adlandırılan bir dönemdir. Bu dönemde, Descartes'ı terk ettik, hatta yeniden tanımladık ve 18. yüzyılda Rousseau ve Lessing tarafından geliştik. Hurd ve Schiller'in düşüncelerindeki insani değerler. Bu nedenle bu kitap, günümüzün ve geleceğin değişken ve teknolojik yapısı, geçmişin gölgeleri, belirsizlik ve güvenilmezlik, eşcinselliğin ve cinsiyet sınırlarının yeniden yazılması, gerçeklik ile bilim kurgu arasındaki karışıklık ve kaotik yaratıklar gibi konuları içermektedir. .
Dior ve Valentino gibi markalar modada her zaman yer edinecek, ayrıcalıklı insanlara kendilerine ait olduğunu düşündükleri bir zarafet ve çekicilik kabuğu sunuyorlar. Bununla birlikte, şimdi sadece güzellik için değil, aynı zamanda kasıtlı cesareti ve sayısız orijinal zorlukları için de sosyal ve felsefi motivasyonları manşetlere koyan yeni bir moda formu ve uygulaması var. Moda pratiğini bilinçli olarak eleştirmek "iç" ve "dış" seviyeleri işgal eder. Bir tasarım yöntemi ve yaratıcı bir tutum olarak, bu dünyanın tarihi ve arzusu hakkında önemli düşünceler ortaya koymaktadır.
Başlık resmi şu kaynaktan geliyor: vimeo
