Zıt olmayan klasik ve çağdaş
"Rüzgarı takip eden" berrak otsu çiçeklerden oluşan bir demet mor, turuncu toz, yosun yeşili ve süt grisi bir dokunuşa geçerek gittikçe daha bulanık hale gelme eğiliminden yararlanarak - bu deja vu sahnesi insanlara "İzlenimcilik" ve "Monet" i hatırlatıyor Böylece 19. ve 20. yüzyılın başında bir öğleden sonra.
Yazarın "Yaz Bahçesi" fotoğrafından bir parça
"Yaz Bahçesi" adlı bu projeksiyon çalışmaları grubu, geçtiğimiz günlerde How Art Museum'da "Asimetrik Arkeoloji: Makineye Bakmak" adlı kişisel sergide yer aldı. Paris'teki Orangery'deki Monet bahçesinin birliği veya New York'taki MOMA'nın lobisi, insanların fırça darbelerinin akışını takip etmek için Monetin sonraki yıllarının büyük ölçekli resimlerinin önünde birkaç adım geri çekilmesi gerekebilir. Ancak şu anda, bu dinamik basit ve açık bir hale geldi - sadece bunların hepsi ultra yüksek çözünürlüklü kameralar ve özel hesaplama yazılımı algoritmaları kullanan makinelerin şaheserleri. Doğal bahçe sahnesini gözlemlemek ve yakalamak için hassas aletler kullanın ve analiz etmek ve incelemek için makinenin gözlerini kullanın; hassasiyet, insan algısının kapsamı dışındaki ince değişiklikleri bile yakalayabilir. O zamanlar, teknolojik araçların hızlı gelişimi, sanatı insanın hayal gücünün ötesinde sunabiliyordu ve kimse yardım edemez, ancak sormaktan başka, makineler bizim bilişimizi nasıl uyandırır? Makine öğrendikten sonra yeni bir estetik yaratacak mı?
Soru aynı zamanda bir haraç, yıkmak da güvendir
"Bir klasik, çağdaş olabilir mi?" Veya "Çağdaş, klasiğe nasıl yaklaşır?" Uquara'nın bu sergisi, bu tür motiflere verilen uzun yanıtta yer almak için yeterlidir. Bu ekipte, pek çok çağdaş kreasyon uzun zamandır insanlar tarafından biliniyor. Örneğin, 1917'de Duchamp, Mona Lisa'nın bir kopyasına bir sakal ekledi ve Xu Bing yakın zamanda atıkları taklit etmek için buzlu cam üzerine yansıtmak için kullandı. "İlkbahar Dağ Yaşamı" nın etkisi vb. Kwayula bu öneriye katılmak için makineler kullanıyor. "Yaz Bahçesi" de dahil olmak üzere, tüm sergi salonundaki tüm çalışmalar insan yapımı vuruşlar veya manipülasyonlar içermiyor, hepsi makineler tarafından yapılıyor.
"Yaz Bahçesi" Panoraması
Makine tüm yaratımın yönetici eli haline geldi ve en şiddetli izlenim "kırmak" olmalı: renkleri kırmak, çizgileri kırmak, mesleki kazanımı ve deneyimi bozmak, insanın ilham ve bilgeliğinin getirdiği kibirden kurtulmak. Ama aynı zamanda, klasik sanatın katılımının, bu çağdaş eserler grubuna daha güvenli bir bakış açısı kazandırdığını kabul etmeliyim, tıpkı bazı kendini açıklayıcı sembolleri erken ödünç almak gibi ve tüm metaforlar ve geçişler mantıklı görünüyor. İçin
"Retro" bir sanat geleneğidir ve sanat tarihi kitapları sürekli geçmişe bakar.
Örneğin, Rönesans (rönesans), her zaman öğrendiğimiz gibi, "eski Yunanlıları ve Romalıları kurtararak" orijinal standardı oluşturdu; on sekizinci yüzyılda, aydınlanmadan etkilenen Avrupa "Büyük Turu" (Büyük Tur) Tour) ve yeni bir retro turunun kökeni olarak Rönesans. Çin sanat tarihi genellikle "retro" yu tartışır. Örneğin, Yuan Hanedanlığı'ndan Zhao Mengfu, Qinghe Resim ve Kaligrafi'nin alıntısında şunları yazdı: Resim eski anlamıyla pahalıdır, eski bir anlamı yoksa işe yaramaz. Daha aşina olduğumuz Konfüçyüs bile, Zhou'ya dönme ritüelini vurguladı.
Retro'nun anlamına gelince, sanat tarihçilerinin bir fikir birliği var: "retro" bayrağı geçmişte kaldı ve hedef şimdi. Sanat tarihindeki pek çok yenilik esasen geçmişe bakılarak gerçekleştirildi - Rönesans, Greko-Romen kriterini aldı, ancak daha acil olan amaç, o zamanki ortaçağ resimlerinin ciddi ve katı tarzını kırmak ve Tanrı'yı insan imajında anlamaktı; Zhao Mengfu Antik anlamın vurgulanması, "şimdi" isyanı için bir standart oluşturmayı amaçlamaktadır - geçmişe bakmanın asıl amacı kırmaktır. İlginç olan şu ki, çağdaş sanatta "antik" kelimesi artık eski anlamı yeniden canlandırmak değil, bir yansıma nesnesi haline gelmektir. Klasikler, sanatçı tarafından yüksek tutulan bir pankarttan, sanatçının özenle kurduğu bir hedefe dönüştü. Tam da bu kuruluş nedeniyle, seçilen klasikler sembolik işaretler haline geldi ve yerleşik bir fikir birliği haline geldi. Kwayula, makinenin eski Monet'nin fırçalarının yerini almasına izin verdi, ancak sonuçta son görsel efektin güzelliğini kabul etti - Monet'nin bahçesi, akışın nihai ruhsal yuvası oldu ve yapısızlaştırma, yapıya farklı bir güvendi.
Aslında doruk noktasındaki her klasik çağdaştı ve zorluklar yaşadı. Monet'nin "eskiz" ve "mevcudiyet" gereksinimleri ve resmin temasının genişletilmesi eleştirilmedi mi? O zamanlar empresyonist resimler anlaşılmaz görülüyordu ve bu duygular, bugün insan eli yerine makinelerin karşı karşıya olduğu korku ve suçlamalardan daha fazla tedirgin olabilir. Gombrich'in on dokuzuncu yüzyılın sonlarında Empresyonizmden sonraki birçok girişimi değerlendirirken dediği gibi: "Bu hareketler ilk bakışta ne kadar 'çılgın' görünse de bugün tutarlı olduklarını görmek zor değil. Hepsi sanatçıları kendilerini keşfetmeye açma girişimleridir. Çıkmaz durum. "
Arkeoloji aynı zamanda izleyicinin deneyiminin arkeolojisidir
Çağdaş sanatta kazı, geriye dönük inceleme ve diğer anlamların konusunun "arkeoloji" ye dayandığı fikrine çekincelerim var. Bu serginin başlığından ödünç alınan "arkeoloji" kavramı, yazar tarafından izleyicinin deneyiminin arkeolojisi olarak anlaşılıyor. Yaptığımız deneyimin farklılığından yola çıkarak iş ile seyirci arasında bir eksen varsa hepimiz asimetrik olarak işin önünde duruyoruz.
İşlerin yarattığı güzellik duyguları ve dokunuşlar daha çok mevcut deneyimimiz ve anlayışımızla ilgilidir. Geçmiş bilginin ilişkisi, kişisel deneyimin metinlerarasılığı ve estetik deneyim karşılıklı olarak birbirini gerçekleştirir. Bu noktada, tekrar tekrar eğitilen klasikler, çağdaş eserlere fikir birliği bağlamı kazandırdı.
"Heykel Fabrikası"
Sergide yer alan bir diğer etkileyici eser ise "Heykel Fabrikası". Sahnedeki devasa robotik kol, Barok dönem boyunca Bernini'nin klasik eseri "Pluto ve Proshepina" yı sürekli kazıyor. Algoritma dizisinin rehberliğinde robotik kol, yüksek yoğunluklu köpük üzerinde çalışır, bir küpten başlayıp yavaş yavaş onu şekillendirir, kademeli olarak belirli bir anda kalarak bir sonrakini yeniden başlatır, böylece tüm oda çeşitli aşamalarda olur. Plüton ve Proshepina'yı "tamamlayın".
Bu insanlara Michelangelonun "bitmemiş" kavramını hatırlatıyor. Bu tam taşlar sadece özgürleştirilecek bitmemiş heykeller: "Her mermer parçasında, hem jestleri hem de eylemleri olan bir heykel görüyorum. Mükemmel. Kaba taş yüzeyin altına hapsedilmiş o sevimli ruhları serbest bırakmam gerekiyor ki diğer gözler benim gibi görebilsin. En iyi sanatçılar sert mermer kabuğunu ve heykeltıraşın ellerini düşünebilir Sadece büyüyü bozup taşta uyuyan insan figürünü serbest bırakıyor. Gerçek sanat eseri mükemmel tanrının gölgesidir. "" Heykel Fabrikası "bu harika fikri neredeyse görsel olarak yeniden üretiyor. Alanı dolduran bitmemiş heykel kesinlikle görsel bir şok yaratır, ancak makinenin Michelangelo'nun kutsal yeteneğini büyük ölçekte bu kadar kolay kopyaladığını fark edersek, Michelangelo'nun Carrara'ya gittiğini hayal edelim. (Carrara) Mermer fabrikası, iddialı bir şekilde taşın görünümünü seçiyor. Makineler karşılaştırması altında, insanların kırılganlığı, kısırlığı ve inatçılığı bir bakışta görülebiliyor.
"Bitmemiş" "Plüton ve Proshepina" Yazarın fotoğrafı
Klasiklerin müdahalesi nedeniyle, belirli bir iş parçasına bakmıyoruz, içsel çalışmanın duygusunu var olan nesnelerin üzerine yerleştiriyoruz. "Yaz Bahçesi" örneği de aynıdır: Kendi içinde şaşırtıcı olan Empresyonizmi gördüğümüzü varsayacağız. Tarz ve tür öğrenmemiz için belli bir deneyim haline geldi, bunun için olmasaydı, salınan renklerin gözün ötesinde bir anlamı yok. Peki makine türü nasıl öğrendi? Öyleyse stil düzenli ve tekrarlanabilir mi?
Eserlerin önünde asimetrik durduğumuzda, estetik irade tekrar tekrar soruluyor: Sanatçı buna hala ihtiyaç duyuyor mu? Bir sanatçının gerçek temel değeri nedir? Makine bilişimizi nasıl uyandırıyor? Makine öğrendikten sonra yeni bir estetik yaratacak mı? Güzelliğin eşsiz bir özü var mı? O boşlukta duruyoruz, robotik kollar uğultu yapıyor ve çiçekler algoritmaya göre sürekli sallanıyor ve deforme oluyor. Tasarım, problemleri çözmek için kullanılıyorsa, problem yaratmak için sanat kullanılır.
Barok zirve, yazar tarafından sağlanan yeni bir soyut renk bloğu haline geliyor
Serginin girişinde barok zirvesi parçalandı ve yeni bir soyut renk bloğu olarak yeniden şekillendirildi. Aynı şekilde, sanki istikrarlı bir gizem ve pek çok içten güven içeriyormuş gibi bir tür açıklanamaz romantizm hissettim. (Cui Can)
